おやぢの部屋2
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カテゴリ:オペラ( 208 )
BERG/Wozzeck
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Franz Grundheber(Wozzeck)
Hildegard Behrens(Marie)
Philip Langridge(Andres)
Heinz Zednik(Hauptmann)
Walter Raffeiner(Tambourmajor)
Aage Haugland(Doktor)
Claudio Abbado/
Chor und Orchester der Wienerstaatsoper
ARTHAUS/109 156(BD)



アルバン・ベルクが「ヴォツェック」を作ろうとしたきっかけは、原作であるゲオルク・ビュヒナーの戯曲のウィーン初演を1913年のある晩に観たことでした。ベルクは、すぐさまオペラ化の決心をして作曲にとりかかり、1922年には完成させます。原作は、1821年に実際に起こったヨハン・クリスティアン・ヴォイツェックという下級軍人が、愛人を殺害するという事件をモデルにして書かれています。ただ、戯曲やオペラでは彼は愛人を殺した後で、すぐに入水自殺を図るのですが、リアル・ヴォイツェックは殺人の罪で逮捕され、処刑される1824年までは生きていました。その際の取り調べでの精神鑑定書を元に、ビュヒナーは戯曲を創作したのですね。
ただ、この戯曲は完成することはなく、断片を記した自筆稿だけを残して、ビュヒナーは1837年に亡くなってしまいます。それが、カール・エミール・フランツォースという編集者によって1879年に出版されます。その際に、判読不明の個所が多い自筆稿からは「Woyzeck」が「Wozzeck」と読み取られたために、タイトルも「ヴォツェック」となっていたのですが、後に改訂された時にはきちんと「ヴォイツェック」と直されました。しかし、ベルクが参照したのは1879年版だったので、オペラだけは「ヴォツェック」というタイトルになってしまったのです。
オペラ化にあたって、ベルクは全部で26の場面に分かれていた原作を、それぞれ5つの場面を持つ3幕構成に直しました。そして、音楽的にも、それぞれの場面は一つの音楽形式(「組曲」とか「ラプソディ」)をとり、さらに幕の中の5曲にも緊密な関係をもたせ、まるでオペラ全体が巨大なオーケストラ作品であるかのように作られています。そこではワーグナーのような「ライトモティーフ」的なものも使われていますが、最初にヴォツェックに髭を剃られている大尉に与えられたモティーフが、ベートーヴェンの「田園」の第1楽章のテーマそっくりなのは、なぜでしょう。
この映像は、クラウディオ・アバドがウィーン国立歌劇場の音楽監督に在任中の1987年に行われたアドルフ・ドレーゼンの演出による公演のライブです。実は、おそらくこれと同じものの音声だけが、DGからCDとしてリリースされています。そのせいなのかどうか、この時代の映像にしてはあまりに音が良いことに驚かされます。画面が4:3の古臭いサイズなので、このいい音とのギャップがたまりません。それによって、特にオーケストラの個々の楽器がとても粒が立って聴こえてきて、ベルクの複雑なスコアが眼前に広がる思いです。とくに、チェレスタがくっきり聴こえてくるのはなかなかのもの、この華麗なオーケストレーションを、まず耳だけで楽しむだけでも価値がありそうです。ただ、歌手に関してはやはりライブですから、いくらか不満足なところも出てきますし、場合によってはプロンプターの声がはっきり聴こえてきたりするので、ちょっと興ざめですが。
映像監督は、この頃のオペラの映像を撮らせたらこの人しかいないというほどの売れっ子、ブライアン・ラージ。おそらく彼はスコアまできちんと読み込んでカメラのアングルなども決めているのでしょう、まさに今そこで最も重要なシーンが間違いなくアップになって示されているのは、感激ものです。そんなシーンで最も頻繁に使われているのが、アバドが指揮をしているシーンだ、というのはちょっと反則っぽいやり方ですが、この作品に限っては場面の合間に演奏されるオーケストラだけの部分も一つの「見どころ」ですから、仕方がありません。おかげで、アバドはこの複雑な作品を全曲暗譜で振っていることも、超絶技巧が必要なフルートのトップを、ヴォルフガング・シュルツが吹いていることもよく分かります。
歌手では、なんといってもマリー役のベーレンスのノーブラ姿でしょうか。ラージは、彼女の乳頭を見事にアップでとらえてくれていました。

BD Artwork © Arthaus Musik GmbH
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by jurassic_oyaji | 2016-05-21 20:40 | オペラ | Comments(0)
MOZART/Don Giovanni
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Alan Titus(D.G.), Thomas Moser(D.O.)
Julia Varady(D.A.), Arleen Augée(D.E.)
Edith Mathis(Zerlina), Rolando Panerai(Leporello)
Rafael Kubelik/
Chor und Orchester des Bayerischen Rundfunks
SONY/88875194802




SONYから続々リリースされている過去のオペラ録音のアーカイヴ、その中にまだ聴いたことのなかったクーべリックの「ドン・ジョヴァンニ」がありました。オリジナルはEURODISC、BMGの時代には「RCA」などと表記されていたりしましたが、今ではきちんとそのあたりが明記されるようになっているのはうれしいですね。
1985年に録音されたもので、オーケストラは彼がこの数年前まで首席指揮者を務めていたバイエルン放送交響楽団です。確か、1980年にはこのコンビでモーツァルトの後期の交響曲も録音していましたね。デジタル録音の黎明期で、そのCDは物珍しさも手伝って、なかなか魅力的でした。当時のこのオーケストラの首席フルート奏者はアンドラーシュ・アドリアンとイレーナ・グラフェナウアーでしたが、この二人の音色や音楽性は全く異なっていて、どちらが吹いているのかはすぐわかりました。この交響曲集でも、曲によって奏者が違っていましたから、もっぱらグラフェナウアーが乗っている方の録音だけを聴いていましたね。
この「ドン・ジョヴァンニ」では、10日間以上の録音セッションが組まれていたようですが、カラヤンのように序盤に吹いていた人が後半では別の人になるようなことはなく、最初から最後までそのグラフェナウアーの音が聴こえてくるのが、このアルバムの最大の魅力です。このオペラには、例えば「魔笛」のようにフルート・ソロが活躍するような場面は全くないのですが、時折オーケストラから聴こえてくるさりげないフルートのフレーズが、とてものびやかで心を奪われてしまうのです。たとえば第2幕のフィナーレの直前のドンナ・アンナのアリアの中で一瞬聴こえてくるだけのフルートのソロでさえ、言いようのない感銘を与えられるものでした。
クーべリックにはコンサート指揮者というイメージがありますが、実際は多くのオペラハウスでの経験も持っている人でした。ただ、彼が指揮するオペラは、初めて聴いたような気がします。おそらく、モーツァルトではこれ以外の録音はないのではないでしょうか。ただ、この「ドン・ジョヴァンニ」を聴く限りでは、彼の資質はやはりコンサート向きなのではなかったのかな、という印象を強く受けてしまいます。それは、彼の持っている様式感がそうさせるのでしょうが、とても重みと深みを感じさせる彼の指揮からは、音楽そのものが持つ崇高さは十分に伝わってくるものの、「ドラマ」としてもエネルギーが決定的に欠けているのでは、と思えてしまうのです。要は、あまりにもくそまじめに音楽に向き合っているな、という感じ、今の時代にこれを聴くと、やはりダ・ポンテ/モーツァルトを味わうにはもっと切迫感や、洒脱さが欲しくなってしまいます。
録音もなんだかきれいすぎ、そんな中でかなり音場を操作してステージ感を演出しているような工夫が見られますが、それがあんまり成功しているとは思えないのは、なにか中途半端なところが見られるからでしょうか。墓地で石像が現れるシーンのサウンドの、なんとしょぼいこと。
そんな指揮者をフォローするかのようにふるまっていたのが、レポレッロのパネライです。彼はレシタッティーヴォ・セッコだけではなく、アリアでさえ存分に羽目を外して楽しんでいましたね。「カタログの歌」では、まるでロックのヴォーカルのようにフレーズの最後を下げたりしていましたから。
タイトル・ロールはアラン・タイタス、この人のラストネームは「Titus」ですから、モーツァルトとはゆかりがあるのでしょうが(笑)、なんせもっぱらバーンスタインの「ミサ」の初演を担った人としての記憶が強いものですから、いくら将来はバイロイトの常連になるとは言ってもこの時点での貫録のなさにはほほえましいものがあります。というか、そのタイタスをフィーチャーしたオリジナルのジャケットが不気味すぎ。

CD Artwork © Sony Music Entertainment
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by jurassic_oyaji | 2016-03-31 23:15 | オペラ | Comments(0)
ORFF/Gisei - Das Opfer
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Kathryn Lewek, Elena Zhidkova(Sop)
Ulrike Helzel, Jana Kurucová(MS)
Ryan McKinny, Markus Brück(Bar)
Jacques Lacombe/
Chor und Orchester der Deutschen Oper Berlin
CPO/777 819-2




1937年に作られた「カルミナ・ブラーナ」が突出した人気を誇っているカール・オルフの作品は、もちろんそれだけではありません。でも、それ以外の作品が演奏される機会は殆ど無いに等しいようなものですから、これをもってオルフのことを「クラシック界の一発屋」と呼ぶ人は少なくはありません。
したがって、オルフがまだ20代だったころの1913年に作られた「Gisei」というオペラのようなレアな作品を初めて聴くという貴重な体験にも遭遇できることになります。これは、2012年と言いますから、作曲されてほぼ100年後にベルリン・ドイツ・オペラで上演された際のライブ録音です。
日本語の「犠牲」がそのままローマ字で表記されているように、このオペラは日本のオペラ、つまり歌舞伎や文楽の演目でとても有名な「菅原伝授手習鑑」の中の「寺子屋の段」をテキストに用いています。それは、こんなお話。
菅原道真の家のトイレには鏡があったわけではなく(それは「菅原便所手洗鏡」)、道真の8歳になる息子菅秀才をかくまっているかつての道真の家臣源蔵とその妻戸浪の寺子屋に、道真の政敵時平の家来玄蕃が菅秀才の首を差し出せとやってきます。実はこの日、見知らぬ女が自分の息子小太郎を寺子屋に預けていったのですが、それが菅秀才に瓜二つと気づいた源蔵は、小太郎の首を差し出します。それを見て、首実検のために同行した松王(松王丸)が「菅秀才に間違いない」と言ったので、玄蕃はそれを持ち帰ります。そこにやってきたのが、さっき小太郎を連れてきた女。彼女は実は松王の妻の千代、小太郎は松王の息子だったのです。松王は、そもそもは道真の家臣の息子、今の主君の時平よりは道真への忠義心の方が勝っていたので、わが子を犠牲にしても菅秀才を守りたかったのでしょう。

これを日本語学者のカール・フローレンツが独訳したものを読んだオルフは、それに独自の構成を施して台本を書き上げました。この寺子屋のシーンの前に、原作にはない導入部が用意されています。そこには2人の顔を隠した男女が登場します。それは松王役と千代役の歌手なのですが、この時点では正体は明らかにされていません。二人は、これから起こることを予言し、嘆き悲しみます。
それ以後は、ほぼ原作に忠実に物語が進行して行っているようです。一応ブックレットには英語の対訳があり、丁寧なト書きも入っているので、細かいプロットにもついていけるはずです(でも、ミスプリントが多すぎ)。
音楽は驚くべきものでした。ここには、後にオルフの作品のベースとなる、あの何とも即物的なテイストが全く存在していないのですよ。その音楽はとてもロマンティックで、とろけるような美しさに満ち溢れています。さらに、この題材に即した配慮として、日本的な音階も頻繁に登場しますし、「さくらさくら」などはオリジナルがそのままの形で(もちろん日本語の歌詞で)戸浪によって歌われます。最後のフレーズだけちょっとリズムが変わっていますがそれは別に問題ありません。あるいは、日本の僧侶を意味するのでしょう「Bonzo」という言葉が頻繁に使われていますが、そのあたりが、この作品の10年ほど前に初演されたプッチーニの「蝶々夫人」と酷似していると感じられるのは、ただの偶然でしょうか。そう思いながら聴いていると、オーケストレーションにもプッチーニ、あるいはリヒャルト・シュトラウス(こちらにも生首が登場しますね)と同質のものがあることにも気づきます。
しかし、そののちオルフはそのようは作風とは全く異なる様式を身に付けるようになります。なんでも、「『カルミナ・ブラーナ』以前の作品はなかったことにしたい」と公言していたそうですが、それはちょっとさびしい気がします。それは、このオペラの最後のシーンの緊迫感などは、「カルミナ後」の様式では絶対に描くことはできなかったような気がするからです。

CD Artwork © Classic Produktion Osnabrück
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by jurassic_oyaji | 2016-03-05 19:59 | オペラ | Comments(0)
MOZART/The Weber Sisters
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Sabine Devieilhe(Sop)
Raphaël Pichon/
Pygmalion
ERATO/0825646016259




フランスの新進オペラ歌手、サビーヌ・ドゥヴィエルの新しいCDです。しかしこのドゥヴィエル嬢のかわいらしいこと。歌なんか聴かなくても、このジャケットだけでCDが欲しくなったりしませんか?
バロック・オペラの歌い手として売り出した彼女は、2013年にラモーのアルバムでこのレーベルからデビューしましたが、今回はモーツァルトの「ウェーバー姉妹」というタイトルのアルバムです。モーツァルトの伝記には必ず登場するヨゼファ、アロイジア、コンスタンツェの「ウェーバー三姉妹」、もちろんコンスタンツェは妻、アロイジアはモトカノですが、モーツァルトは彼女たちにそれぞれの思いを込めていくつかの曲を作っています。それらを集めたのが、このアルバムです。
曲目の構成もちょっと凝っています。全体は4つのコーナーに分かれていて、最初は「プロローグ」として4つのトラック、そしてそのあとにそれぞれの女性の名前を付けた3つのコーナーが続きます。それらは、やはり4つずつのトラックが用意されているのですが、なぜか最後のコンスタンツェだけ3つしかありません。なぜなのでしょう?
「プロローグ」では、全体の序曲ということで、「レ・プティ・リアン」の序曲が演奏されています。そこで、この初めて聴く「ピグマリオン」というピリオド楽器のオーケストラの音を味わうことが出来ます。このアンサンブルは、2006年にここで指揮をしているラファエル・ピションによって創設されましたが、元々はバッハの声楽作品を演奏するためのもので、メンバーには合唱団と楽器のメンバーが両方とも含まれています。今ではレパートリーは大幅に拡大されて、あらゆる国のバロックからロマン派の作品が取り上げられています。趣味のよいサウンドで広がるその演奏は、ピリオドとはいっても一部の人にしか受け入れられないような極端な表現は皆無で、とても耳あたりの良いものでした。
序曲に続いて聴こえてきたのが、無伴奏のドゥヴィエル嬢の声。とても澄んだ響きで歌い出したのは、なんとフランス民謡の「Ah, vous dirais-je maman」ではありませんか。いわゆる「キラキラ星」として知られている、モーツァルトが変奏曲を作ったことで有名な歌ですよね。これを、ドゥヴィエルは言葉を大切にしてとてもドラマティックに歌っています。そこにはいつの間にかフォルテピアノの伴奏が入っていましたが、歌が終わると今度はオーケストラも加わって、なんと「パンタロンとコロンビーネ」というパントマイムのための音楽が始まりましたよ。確かにこれは「キラキラ星」とよく似た音楽ですから、無理なくつながります。こんな面白いアレンジを行ったのはヴァンサン・マナックという作曲家。彼のそんなちょっとしたいたずらは、このアルバムの中で何度も登場します。
ドゥヴィエルのすばらしさは、ヨゼファが歌うために作られた、「魔笛」の夜の女王のアリアを聴けば分かります。コロラトゥーラのテクニックは万全、余裕をもって軽々と歌うのは当たり前とばかりに、その難しいフレーズを「エコー」にして繰り返すなどという超絶技巧まで披露してくれますよ。楽しみな新人が現れました。
さっきの、コンスタンツェのコーナーだけトラックが3つというのは、最後のハ短調ミサの「Et incarnatus est」(これも、素晴らしい演奏です)が終わっても「針を上げないで」しばらく待っていると謎が解けます。そこにはもう一つ「隠しトラック」があったのです。それは、合唱も加わって盛大に盛り上げる6声のカノン「Leck mich im Arsch」です。これを「言葉を大切に」歌っているドゥヴィエルの姿には、ある種ブキミなかわいさがあります。そして、この「ド・レ・シ・ド」というテーマから、「ド・レ・ファ・ミ」という、よく似たテーマを持つハ長調の交響曲の終楽章風に仕立て上げたのも、ヴァンサン・マナックの仕事。このアルバムは壮大に「尻をなめて」幕を閉じるのです。

CD Artwork © Parlophone Records Limited
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by jurassic_oyaji | 2016-01-21 21:33 | オペラ | Comments(0)
WAGNER/Das Rheingold
c0039487_20201069.jpgMatthias Goerne(Wotan), Michelle DeYoung(Fricka)
Kim Begley(Loge), Oleksander Pushniak(Donner)
Anna Samuil(Freia), Deborah Humble(Erda)
Peter Sidhom(Alberich), David Cangelosi(Mime)
Kwangchul Youn(Fasolt), Stephen Milling(Fafner)
中村恵理, Auhelia Varak, Hermine Naselböck(Rheintöchter)
Jaap van Zweeden/
Hong Kong Philharmonic Orchestra
NAXOS/NBD0049(BD-A)




最近のアジアのオーケストラの躍進ぶりには目覚ましいものがあります。そんな中で、まだCDでも聴いたことのなかった香港フィルが、なんとワーグナーの「指環(から)」の録音を成し遂げてしまいました。
香港フィルの前身は1895年に作られたというオーケストラですが、プロとして活躍を始めたのはそれからだいぶ経った1974年のことでした。それが、2004年にエド・デ・ワールトが音楽監督に就任したころから飛躍的にレパートリーも拡大し、コンサート形式でR.シュトラウスやワーグナーのオペラも演奏できるようになっていました。2012年からは現在のヤープ・ヴァン・ズヴェーデンが音楽監督に就任、ついに「指環」全曲のツィクルスを始めることになったのです。その第1弾が、2015年の1月に行われた「ラインの黄金」のコンサート形式の上演、そして2016年の1月には「ワルキューレ」の上演が予定されています。
その「ライン」をライブ収録したものが、リリースされました。これにはNAXOSもかなりの力を入れているようで、CDと同時にBD-Aも発売されています。CDとBD-Aがほぼ同じ価格というのがうれしいですね。さらに、BD-Aと同じフォーマットのFLACファイルがmoraではなんと全曲1440円で配信されていますから、こちらはもっとお買い得(他社では2500円)。
もちろん、これはハイレゾを普及させようという意味を持ったディスカウントなのですが、そんな用途としても十分に耐えうるだけのクオリティを持った録音だからこそ、このような扱いにもなるのでしょう。確かに、BD-Aで聴いた時には、ショルティのBD-Aには遠く及ばないものの、なかなか素晴らしい録音でした。しかし、同じものがCDになるとガラッとしょぼい音になってしまいます。なにより、マスタリングの際の再生レベルがBD-Aより4~5dB低くなっているのが問題、このアイテムに限っては、CDの音はクズ同然のお粗末さです。
香港フィルの力は、確かなものでした。前奏曲の、本当に難しいホルンの導入なども難なくこなしていますし、ワーグナーには欠かせない金管楽器の存在感も、とても立派なものでした。そして、弦楽器の響きの美しいこと。それは、まるで日本の最高ランクのオーケストラの弦セクションを聴いている時のような味わいを持っていました。もちろん、それは褒めているわけではなく、常々弦楽器がそんな風に「美しすぎる」ところが、「本場」のオーケストラに比べて物足りない点だと思っているものですから。特にワーグナーでは、これはあまりにもお上品すぎます。
それと、やはり西洋音楽を目指している団体ではあっても、自然と中国人らしいセンスが現れてしまうところがあって、和みます。それは、第3場の前後でヴォータンたちがニーベルハイムへ行き来する際の場面転換の音楽の中に現れる「鍛冶屋のモティーフ」です。バンダの打楽器が何人もで金属片を同じリズムで叩き続けるというシーンですが、普通は本物の「金床」などを使って低めのピッチで聴こえてくるものが、ここでは何とも甲高い音しか聴こえてきません。そこに広がるのはキンキラキンの京劇の世界、ゲルマン神話の薄暗い世界からはかなり隔たった景色です。
歌手陣はまさに充実の極みです。まず、ヴォータンのゲルネは、最近のこの役にはあまり威厳を与えないという「流行」には全く背いた、真の「神々の長」という雄々しさで迫ります。やはりヴォータンは、この方が全体が締まります。フリッカのデヤングも、昔はあまり良いとは思わなかったものが、ここに来て凄さが光るようになってきました。やはり昔からおいしかったのかも(それは「ぺヤング」)。
ただ、唯一の日本人として参加している中村さんは、出だしのヴォークリンデでディクションの欠点がもろに出てしまっています。声も、この役には重すぎ。

BD-A Artwork © Naxos Rights US, Inc.
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by jurassic_oyaji | 2015-12-27 20:23 | オペラ | Comments(0)
WAGNER/Der Ring des Nibelungen
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Georg Solti/
Wiener Philharmoniker
DECCA/478 6748(BD-A)




BD-A(ブルーレイ・オーディオ)が初めて商品として出回ったのは、2009年だったのではないでしょうか。それは、ノルウェーのレーベル「2L」によるものでした。ここでは、超ハイ・スペック(24bit/352.8kHz程度)のPCMの規格「DXD」による録音を行っていて、それをご家庭で再生するために音声のスペックが最高で24bit/192kHzであるBDにいくらかサイズ・ダウンして収録したのです。これで、規格上はSACDより高解像度の音が再生できることになりました。
それは、当初は単なるマニアックなメディアでしかありませんでした。しかし、2012年にDECCAがステレオ録音の金字塔であるショルティの「指環」のCDを、新しくリマスターを行って豪華な装丁でリリースした時に、ほとんど「おまけ」というような形で、全曲を1枚に収録したBD-Aも一緒に付けてくれたおかげで、やっとSACDと並ぶハイレゾ再生のメディアとして認知されるようになったのです。確かにそのBD-Aからは、同じデジタル・マスターから作られたSACDをもしのぐ音を聴くことが出来ましたから、そのファンは確実に増えたはずです。とは言っても、その後の展開は必ずしも順調とはいえないようですね。
そんな、いわばパイオニア的な役割を果たした「指環」のBD-Aですが、やはりパイオニアならではの予測できない製造上の不備があったのでしょう、最近再生してみたら一部で音飛びが発生するようになっていました。その発生個所は確かに最初は問題なく聴けていたはずですから、経年的な要因、あるいはパッケージの問題があったのでしょう。なにしろ、いかにもとりあえず作りました、的な安っぽいボール紙の袋に裸で入っていただけ(下の写真の右側)ですからね。映像のBDでも、不織布の袋に保存していたらエラーが出るようになったということがあちこちで報告されていましたから、そんなこともあったのかもしれません。
そんな不良品を聴いているのはストレスがたまるので、この際、2014年の末にBD-A単品でリリースされてまだ市場にあったものを新たに買うことにしました。これではディスクは対訳(英語のみ)が掲載された分厚いブックレットの中の、ちゃんとしたデジパックに収納されていましたから、保存上の問題はなくなることでしょう。

ただ、せっかくのブックレットですが、そこにかなり重大な間違いが見つかりました。「ワルキューレ」の録音年代が「1963年」となっているのですよ。これは明らかなミスプリント、正しくは「1965年」です。DECCAよお前もか、という感じ、情けないですね。
つまり、最初に「ラインの黄金」が録音されたのが1958年、「ジークフリート」と「神々の黄昏」が1962年と1964年、最後に録音されたのが「ワルキューレ」です。「ライン」のころはまさにステレオ録音の最初期ですから、それからノウハウも習得してその7年後の「ワルキューレ」が一番いい音で録音されているのだと普通は思いますが、どうもそうではないようですね。とりあえず、不良品の口直しということでまずは「ワルキューレ」から聴きはじめたのですが、第1幕の第2場あたり、登場人物が3人になったところで、ジェームス・キングとゴットロープ・フリックの声がとても歪んで録音されていたのです。もう一人のレジーヌ・クレスパンだけは問題ありません。1980年代に最初にCD化されたものも聴いてみましたが、それも同じ状態でしたから、これはアナログのマスターテープそのものの歪みなのでしょう。ソリスト用のマイクのレベル設定に問題があったのかもしれませんね。これは多分、「ジークフリート」と「黄昏」の間でミキシング・コンソールが入力チャンネルの多い新型に変わったため。それまではソリスト用のマイクは全員で共有していたものが、一人一人にそれぞれマイクをセットできるようになったので、逆にフェーダーの操作が大変になってしまったからなのでしょう。なんでも、エンジニアが2人だけでは手が足らず、プロデューサーのカルショーまでもが操作したそうさ。ソリストに関しては、「ジークフリート」の音が最高なのでは。

BD-A Artwork © Decca Music Group Limited
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by jurassic_oyaji | 2015-12-17 23:10 | オペラ | Comments(0)
MOZART/Die Entfürung aus dem Serail
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Robin Johannsen(Konstanze), Mari Eriksmoen(Blonde)
Maximilian Schmitt(Belmonte), Julian Prégarudien(Pedrillo)
Dimitry Ivaschchenko(Osmin), Cornelius Obonya(Salim)
René Jacobs/
Rias Kammerchor, Akademie für Alte Musik Berlin
HARMONIA MUNDI/HMC 902214.15




ヤーコブスは、今までにこのレーベルにモーツァルトのオペラを7曲録音していました。しかし、それは俗に「7大オペラ」と呼ばれている「魔笛」、「フィガロ」、「ドン・ジョヴァンニ」、「コジ」、「後宮」、「イドメネオ」、「ティトゥス」(人気順)ではなく、その中には「偽りの女庭師」という18歳の時に作られた珍しいオペラ・ブッファが入っていました。ですから、今回の「後宮」によって、晴れて「7大オペラ(+1)」が完成し、一応ヤーコブスによるモーツァルトのオペラの録音は終わってしまうのだそうす。
そんな、一区切りがつくところでの仕事ということで、この録音にはかなりの力が入っているようです。それは、この前の「魔笛」でも取り入れられていた「聴くオペラ」というコンセプトが、さらにスケールアップしていることで、よく分かります。地のセリフがある「ジンクシュピール」という形式を最大限に利用するために、サウンド・エフェクトやフォルテピアノの即興演奏などを駆使して聴く人に楽しんでいただこうというやり方ですね。これが、「魔笛」ではセリフそのものはシカネーダーのものをほぼ忠実に(ごくわずかなカットがあります)使っていたものが、今回はなんとヤーコブス自身の手で大幅に書き換えられたセリフが使われているのですよ。きちんと「Dialogfassung René Jacobs 2014」というクレジットまでありますからね。
例えば、最初に出てくるセリフである、ベルモンテがアリアを歌い終わったところでの独白は、NMA(新モーツァルト全集)では「Aber wie soll ich den Palast kommen, wie sie sehen,
wie sprechen?(しかし、どのようにして宮殿の中に入ればいいのだろう?どのようにすれば、彼女に会って話が出来るのだろう?」なのですが、ここでは「Ich will sie sehen, mit ihr sprechen! Aber wie komme ich in den Palast?(彼女に会いたい!彼女と話したい!しかし、どうしたら宮殿の中に入れるのだろう?)」と、コンスタンツェへの思いがより強く感じられる言い方に変わっています。
こんな調子で、より分かりやすいセリフに変わったうえに、歌は歌うは、オリジナルではセリフのない衛兵にまできちんと出番を作るわと、とにかく楽しんで聴いてもらいたいという気持ちが伝わってくる改変です。もちろん、セリフの中ではフォルテピアノやオーケストラまでが入ってより盛り上げますし、アリアを歌っている間でも、それを一時中断して気の利いたセリフを挿入するといった、普通には聴けないサービスが満載ですよ。
そのおかげで、演奏時間はなんと2時間40分にもなっています。普通はセリフを適宜カットして2時間弱、カットなしでも2時間20分ぐらいですから、聴いたことのないシーンが続出で、まるで別のオペラを聴いているようです。
音楽的には、「トルコ」を強調、打楽器の激しいビートが強調されています。さらに、普通は「ピッコロ」が使われるパートに「リコーダー」が用いられています。これは、楽譜には「Flauto piccolo in Sol」と書かれているパートなのですが、当時は単に「フルート」と言うと縦笛の「リコーダー」を指していたからなんですね(横笛の「フルート」は「Flauto traverso」と言います)。これは、確かに効果的。
さらに、先ほどから登場している「フォルテピアノ」も、「ハンマーフリューゲル」というクレジットで、もう一人のキーボード奏者が加わっています。この二つの楽器、どこが違うのかわかりませんが、楽器が2台あるのは確かです。
歌手の人たちも、心なしかアリアよりもセリフの部分で盛り上がっているような気さえします。ブロンデ役のエリクスモーエンの下品な笑い方など最高です。ペドリッロ役のプレガルディエン(息子の方)も、ちょっとした間の取り方がすごくうまいですね。ただ、オスミン役のイヴァシュチェンコはあまりにもお上品、そして、ベルモンテ役のシュミットの歌は、コロラトゥーラもヘタだし、ちょっと趣味とかが合わないかも。

CD Artwork © harmonia mundi s.a.
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by jurassic_oyaji | 2015-11-25 20:37 | オペラ | Comments(0)
WAGNER/Das Rheingold
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Michael Volle(Wotan), Burkhard Urlich(Loge)
Elisabeth Kulman(Fricka), Annette Dasch(Freia)
Tomasz Konieczny(Alberich), Eric Halfvarson(Fafner)
Simon Rattle/
Symphonie Orchester des Bayerischen Rundfunks
BR KLASSIK/900133




すでに2018年にはベルリン・フィルの音楽監督を辞任することを表明、その後任者もすでに決定しているということもあるのでしょうか、このところ立て続けにサイモン・ラトルがベルリン・フィル以外のオーケストラを指揮しているアルバムを耳にします。この間は次の就職先のロンドン交響楽団、そして今回は、バイエルン放送交響楽団。
もちろん、そんな「浮気」はしていても、今のところの「本妻」であるベルリン・フィルとのコンビが最強の市場価値を持っていることに変わりはありません。来年5月に来日するこのコンビのベートーヴェン・ツィクルスは、5日目の「第9」のS席が45,000円ですって(その他の日は42,000円)。なんか完全に金銭感覚が麻痺しているとしかおもえません。
それはともかく、ラトルとバイエルン放響との「放蕩」は、つい最近、2010年から始まっていたのだそうです。その時の演目が、この前のロンドン響との「楽園とペリ」だったというのですから、驚きです。こういうのも「二股」と言うのでしょうか。
今回のプログラムは、ワーグナーの「ラインの黄金」です。今年の4月24日と25日にヘルクレス・ザールで行われたコンサート形式の上演のライブ録音です。ただ、ラトルと言えば、コンサート指揮者というイメージが強く、オペラを指揮するのはちょっと畑違いなように思われることが多いのではないでしょうか。事実、彼の今までのキャリアの中ではベルリン・フィルでの前任者(カラヤン、アバド)や後任者(ペトレンコ)のようなオペラハウスの音楽監督のようなポストはありませんから、そんな印象をもたれるのは当然のことです。
とは言っても、ラトルのオペラの経験は決して少ないわけではなく、1977年のグラインドボーン音楽祭へのデビュー以来、ウィーン国立歌劇場、ベルリン国立歌劇場、さらにはニューヨークのMETにも出演していますし、ベルリン・フィルとはザルツブルクやバーデン・バーデンでのイースター音楽祭で毎年オペラの上演を手掛けていますから、「実績」には事欠きません。逆に彼の場合は、オペラハウスでのレパートリーとしてルーティンな仕事に埋没するのではない、もっと主体的な必然性を持った新鮮な視線でのオペラを作り上げることが可能なのではないでしょうか。
今回の「ライン」は、その上にコンサート形式という、舞台の演出には作用されない音楽のみでの勝負ですから、なおさらそんな傾向は強まります。この、2時間半の間一度も停まることのない究極の「無限旋律」を持つ音楽に、ラトルはどのように挑んでいたのでしょう。
確かに、これは、オペラというよりはまるで長大な4楽章から成るシンフォニーを聴いているような感じにさせられるような演奏でした。聴きなれたライトモティーフたちは、微妙にアーティキュレーションが変えられて、ドラマのキャラクターというよりは、まさに音楽的な意味での「モティーフ」のように聴こえてきます。クライマックスを形成する金管楽器の咆哮からも、物語のバックを彩る派手さは消え去り、あくまで音楽の流れにふさわしい和声の構成音としての役割が明確に伝わってくる明晰さが感じられます。
そう、ここではオーケストラはピットの中で歌手に奉仕するものではなく、完全に「主役」としてステージに君臨していたのです。歌手たちは、その前を文字通り軽やかに動き回っているにすぎません。ヴォータン役のミヒャエル・フォレの軽い声も、そんな状況に似つかわしいものです。
ラトルは、このコンサートの直後、5月にはウィーン国立歌劇場で「指環」全曲を指揮しています。その時には、ここでアルベリヒを歌っているトーマシュ・コニエツニがヴォータンを歌っていました。このCDでの演奏とはかなり違っていたことでしょうね。
これは、CDであるが故のストレスは全く感じることのできない、素晴らしい録音です。

CD Artwork © BRmedia Service GmbH
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by jurassic_oyaji | 2015-11-09 20:52 | オペラ | Comments(0)
MOZART/Li Ratto dal Serraglio
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Filippo Morace(Osmino), Francesco Marsiglia(Belmonte)
Sandra Pastrana(Constanza), Gabriele Sagona(Selim)
Carlos Natale(Pedrillo), Tatiana Aguiar(Bionda)
Giovanni Battista Rigon
I Polifonici Vicentini, Orchestra del Teatro Olimpico
BONGIOVANNNI/GB 2476




先日フランス語版「魔笛」というゲテモノを聴いたばかりなのに、またまたモーツァルトのドイツ語のオペラを改変したもののCDが出ました。今回は「後宮」のイタリア語版です。
「魔笛」同様、こちらも改変を行った張本人の名前はわかっています。それは、ペーター・リヒテンタール。こちらでやはりモーツァルトの「レクイエム」を、なんと弦楽四重奏に編曲していた、モーツァルトおたくのアマチュア音楽家です。本職は医者ですが、オーストリア・ハンガリー帝国の役人として、イタリアのミラノに赴任していました。そこでモーツァルトの長男であるカール・トーマス・モーツァルトと友人になります。そして、リヒテンタールとカールの二人は、作曲家の死後はほとんど顧みられなくなったモーツァルトのオペラをミラノのスカラ座で上演するために奔走したのです。その甲斐あって、1800年代の初頭には、彼の主なオペラはほとんどスカラ座で演じられることになりました。
しかし、「後宮」の場合は、そのトルコ趣味の故に、なかなか取り上げられなかったため、リヒテンタールはまずは単にテキストをイタリア語に直したものを作り、それは1824年にはブライトコプフから出版もされました。しかし、彼は後にさらにこの作品の魅力を彼の同時代の趣味に合わせたものに作り替えようと、新たな「改訂」を行います。そして、1838年に完成したのが、このCDに録音されているバージョンです。彼としては、良かれと思って行った多くの改変は、しかしそれほど受け入れられず、結局当時はスカラ座で上演されることはありませんでした。同じオペラハウスでイタリアで初めて「後宮」が上演されたのは1952年のことだったのです。もちろん、これは普通のイタリア語バージョン、ここでは若かりしマリア・カラスが出演しています。スカラ座のカラス
このリヒテンタールの1838年の改訂版は、長いことミラノ音楽院の図書館に保存されていましたが、それを用いて2012年の5月に世界で始めた上演を行ったのが、イタリアのヴィチェンツァにあるオリンピコ劇場でした。しかし、このCDライナーノーツを執筆したマルコ・ベゲッリさんが、「この初演は、おそらく最初で最後の上演となるであろう」というフレーズでその分を終えているのが、何とも異様です。
このCDは、その上演のライブ録音、まずはごく普通に序曲が始まりますが、それがとても貧しい音だったのに失望させられます。録音レベルが低いのがまず気になりますし、弦楽器がかなり少なめのオーケストラの演奏が、何ともしょぼいのですよ。少人数でもやりようはあるはずなのに、そのアンサンブルはもうガタガタ、とてもプロのオーケストラとは思えません。
そして、当然アリアはイタリア語で歌われ、セリフの部分は、リヒテンタール自身が作ったレシタティーヴォ・セッコに変えられています。さらに、何よりもヘンなのが、オリジナルではセリフだけだったセリムが「歌って」いることです。まあ、別に歌いたいなら歌わせてもかまわないのですが、そのセリムとコンスタンツェ(ここでは「コンスタンツァ」)のデュエットなどというものはオリジナルにはもちろんありませんから、当時の他の作曲家の作品が流用されているのです。それは、ペーター・フォン・ヴィンターという人のものなのですが、いかにもロッシーニの亜流といった、モーツァルトの趣味とはかなり隔たりのある音楽なのですね。
そして、本来3幕構成だったものを「オペラ・ブッファ」の基本形である2幕に直した際に、第1幕の最後に長大な「フィナーレ」をでっち上げていますが、それがいかにもごちゃまぜのとんでもないものになっています。
そこでCD1は終わって、2枚目には「第2幕」が入っているのですが、とてもそこまで聴き続ける勇気はありませんでしたよ。やはり、こんなものは未来永劫再演されることはあり得ません。ベゲッリさんは、とても正直な方でした。

CD Artwork © Bongiovanni
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by jurassic_oyaji | 2015-10-19 20:25 | オペラ | Comments(0)
VERDI/Aida
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Anja Harteros(Aida)
Jonas Kaufmann(Radamès)
Ekaterina Semenchuk(Amneris)
Antonio Pappano/
Orchestra e Coro dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia
WARNER/0824646106639




新しく録音された「アイーダ」の3枚組CDが、対訳付きの豪華ブックレットに収まって3000円ちょっとで買えるというのですから、うれしいですね。あんこは入っていませんが(それは「たい焼き」)。いろいろ事情もあるのでしょうが、もはやこのレーベルのような大会社が見捨ててしまったと思われていた、セッション録音によるオペラ全曲盤がまだ作られていたことを、素直に喜びたいものです。
「このレーベル」というのも、やはり時代の流れで単純には語れなくなっています。表面上は「WARNER」ですが、ほんの数年前までは「EMI」と言っていたレーベルです。ただ、この、2者の関係も微妙に変化しているようで、当初2013年の時点では何が何でもWARNER、みたいな姿勢だったものが、最近ではEMIのサブレーベルであった「PARLOPHONE」という名前がきちんとクレジットされるようになってきたようで、「かつてはEMIだった」という情報がこのように目に見えるようになったのには、一安心です。

セッション録音とは言っても、そこはこの時代ですからローマでコンサート形式の「アイーダ」を上演するにあたって、そのリハーサルと並行してマイクを立てて録音したものです。その模様がブックレットの写真でうかがえますが、オーケストラの弦楽器は16型と、普通のオペラハウスのピットの陣容よりも潤沢な人数が揃っています。金管の再低音にはバルブ・バス・トロンボーンを縦にひん曲げた「チンバッソ」という楽器の姿も見えますね。さすが、イタリアのオーケストラです。しかし、こちらで述べられているように、ヴェルディがこの作品のために指定した楽器は、この「チンバッソ」ではありませんでした。
それはともかく、この大編成のオーケストラの響きはとても柔軟性に富むものでした。ダイナミック・レンジがとても広いのですよね。前奏曲などほんとに聴こえるか聴こえないかという音で始まりますから、この時点で音量を上げたりするとそのあとでとんでもない大音響になった時にびっくりしてしまうことになります。このあたりは、この3年後に作られた「レクイエム」とよく似た音響設計ですね。ただ、いかんせんこれはただのCDですから、それはただ音が大きくなったり小さくなったりというだけのことで、その結果得られるはずのえも言われぬピアニッシモの肌触りなどは、望むべくもありません。
そんな、ちょっと物足りない録音ではありますが、このオーケストラの魅力はしっかり伝わってきます。このステージではソリストたちはオーケストラの中、トロンボーンと打楽器に挟まれた位置で歌っているので、その息遣いがすぐ近くで感じられるという利点からでしょうか、木管楽器などの演奏はとてもソリストにシンクロしています。というか、フルートがこれほどソリストに寄り添うようなパートだったことに、初めて気づかされました。
もちろん、これを入手したのはカウフマンがラダメスを歌っていたからです。最近はワーグナーをあまり聴く機会がなくなっているのがちょっとさびしいところで、彼がいったいどこへ向かおうとしているのかを確かめたい、という気持ちもありました。実際、彼がイタリア・オペラを歌う時には、ワーグナーとは明らかに歌い方を変えていますし、その結果はそれほど悪いものではありませんでした。しかし、ここで「アイーダ」の全曲を歌っているのを聴いてみると、やはりそこにはちょっとした「無理」が感じられてしまいます。彼は持てる能力を総動員してラダメス歌いになり切ってはいるのですが、その「努力のあと」が見えてしまうのですよね。その象徴的なものが、ソット・ヴォーチェの多用です。確かに、音楽的にはとても効果的で、演奏の品位は高まるものの、そこからはイタリア・オペラには欠かせない「開放感」のようなものがほとんど感じられないのですね。やはり、このジャンルでのカウフマンは、本来の力を出し切ることが出来ないのでは、と思えてしょうがありません。

CD Artwork © Parlophone Records Limited
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by jurassic_oyaji | 2015-10-11 19:29 | オペラ | Comments(0)