おやぢの部屋2
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KOSTIAINEN/Requiem
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Suvi Väyrynen(sop), Ena Pongrac(MS)
Simo Mäkinen(Ten), Tapani Plathan(Bas)
Ville Matvejeff/
Musica Choir, JyväSkylä Sinfonia & St. Michel Strings
ALBA/ABCD 417(hybrid SACD)


1944年生まれのフィンランドの作曲家、ペッカ・コスティアイネンの「レクイエム」の世界初録音盤です。この曲はここで演奏しているユヴァスキュラ・シンフォニアからの委嘱で作られ、2014年に初演されました。しかし、作曲家が「レクイエム」を作ろうと思い始めたのは2000年代の初めのこと、さらに、2006年に母親が亡くなった時に、真剣にその作曲に取り組もうと思ったのだそうです。結果的に、その母親が生きていればちょうど100歳を迎えたであろう日の1週間後に、この「レクイエム」は初演されることになりました。
作曲にあたっては、これまであった有名な「レクイエム」、例えばモーツァルト、フォーレ、ヴェルディ、ブラームス、そして自国のコッコネンなどを詳細に研究したのだそうです。さらに、ポルトガルのルネサンス期の作曲家、マヌエル・カルドーソのア・カペラの「レクイエム」の中で使われているグレゴリオ聖歌もそのまま借用したと言っています。
出来上がった曲は、演奏時間がほぼ1時間という大作です。テキストはもちろんラテン語の典礼文が使われていますが、彼は「Sequentia(Dies irae)」は、「あの世の暗い情景描写」ということで割愛し、最後の「Lacrimosa」だけを例外として残しています。その結果、コッコネンの作品の「Tractus」を「Lacrimosa」に置き換えたという形になっています。
最初の「Requiem aeternam」では、低音によるロングトーンがとても静かに聴こえてきます。それはまるであの「ツァラトゥストラ」のオープニングを思わせるものでした。それは次第にクレッシェンドしてきて、まるでオルガンを模倣したかのような木管の響きの中から、グレゴリオ聖歌の旋律が聴こえてきます。ただ、それは前半だけはそのままですが、その後には異様に捻じ曲げられた別のメロディがくっ付いていましたね。やはり、丸ごと引用したのでは、先ほどのリストにはなかったデュリュフレの作品と同じになってしまうと思ったのでしょうか。
その部分の最初のフレーズが「et lux perpetua luceat eis」と歌われた後に、テノールのソロで「Kyrie eleison」と始まったのには驚いてしまいました。まだ、お前の出番じゃないぞ、と思ってみても、それを無視するかのように大いに盛り上がります。
その後、後半の「Te decet hymnus」が演奏された後で、又改めて「Kyrie eleison」が始まります。それは、先ほどのものとは全く異なったモティーフで作られていますよ。いったい、あれはなんだったのでしょう。まさか「切り絵」ではないでしょうね。
このあたりの音楽は、とにかくやたらと盛り上がります。それはティンパニのロールを伴ってとても分かりやすいクライマックスを何度も繰り返すというものです。そして、「Lacrimosa」が始まると、なにか電子音のようなものが聴こえてきました。いくらなんでもそんなことはないとしっかり聴きなおすと、それはどうやらビブラフォンのようでした。この部分では、それが頻繁に使われています。「レクイエム」とビブラフォン、それはかなりの違和感を伴うものですが、これは作曲家が「オーケストレーションのニュアンスとコントラストには、とても気を使った」と言っていることの表れなのでしょう。なんたって、次の「Domine Jesu Christe」では、ニルセンのようなティンパニのグリッサンドまで登場するのですからね。
「Sanctus」と「Benedictus」は連続して演奏されますが、もちろんここでも賑やかな前者としっとりとした後者という「コントラスト」は目いっぱい効いています。ただ、それぞれの後に続く「Hosanna」のバカ騒ぎには、引いてしまいますが。
それ以降の曲では、幾分節度が保たれているでしょうか。「Lux aeterna」あたりは、おそらくこの作品の中で最も美しく感じられます。そして、流れるような6/8のリズムのピチカートに乗った最後の「In paradisum」では、夢みるようなメロディにうっとりさせられます。
ソリストたちの歌にもう少し繊細さがあって、合唱がよりセンシティブであったなら、この曲の魅力はさらに伝わっていたことでしょう。

SACD Artwork © Alba Records

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# by jurassic_oyaji | 2018-09-22 21:48 | 合唱 | Comments(0)
私の苗字の読み方は1種類だけ
 最近Facebookで、自分の苗字を入力するとそれが全国で何人いるのか教えてくれるアプリが好評のようです。なんか、年賀状に関連して郵便局が提供しているようですけどね。
 それで、私の苗字を入れて見たら、「100人」ですって。いや、意外と多いな、というのが正直な感想でしたね。
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 なんせ、前に東京の電話帳(死語)を調べたら載ってませんでしたから、よっぽど珍しい苗字なのだな、という印象がありましたからね。でも、どうやらこれはかなり珍しい名前になるようなんですね。
 つまり、最近「朝ドラ」に登場している「津曲」という苗字を入れて見ると、これが「4200人」もいるというのですからね。最初にこの名前を聞いた時には、フルネームで「津曲雅彦」でしたから、間違いなく「津川雅彦」のもじりだと思いましたからね。「川」に横棒を3本足して「曲」にして「津曲」、そんなありえないような苗字をでっち上げて得意がっている脚本家の顔が目に浮かんだものです。そうしたら、結構ありふれた苗字だったんですね。絶対私より少ないと思っていたのに、あてが外れました。
 あとは「仙台」も530人いるのだとか。「四郎」さんしかいないと思っていたのに。
 そこで、私のよりも少ないのは何かな、と、検索しまくりました。そうすると、たとえば「死人」とか「愛人」なんてのは
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 こういうのが出てきて、ここでは見当たらないというのですよ。もしかしたら、本当にレアな苗字はデータベースに入っていないのかもしれませんね。結局、いろいろ探して「100人」より少ないのは「右」さん(20人)と「銀」さん(60人)だけでした。「左」さんだと410人ですし、「銅」さんだと150人になって、私を超えてしまいます。あと、さっきの「愛人」さんはいませんでしたが、「愛」さんは160人ですって。
 意外なのは「日本」さん。たった160人しかいませんでしたよ。あ、これはあくまで漢字表現ですから、読み方は関係ないのだそうです。だから、「日本」だったら「にほん」、「にっぽん」、「ひのもと」、「やまと」、「ひもと」などという読み方を全部含めて160人ですから、本当かな、と思ってしまいます。
 ただ、「昭和」は40人、「大正」は80人、「明治」だと300人もいるんですね。ところが「平成」だとさっきの「わからない」になってしまいます。ですから、世の中には「平成太郎」さんなどは一人もいないことになり、「元号」という意味ではこの「平成」は大成功だったといえるのでしょうね。「昭和」さんなどは、なにかといじられて辛い思いをしていたのではないか、と心配してしまいます。
 ですから、今度出来るはずの元号は、まずこのアプリで苗字がほとんど見つからないものであることを確かめてから公表しないといけないでしょうね。
 とは言っても、最近はやたら「平成最後の○○」というのが聴こえてくるのが、おかしくてたまりません。だからなんなんだ、って思いませんか?こんな、まるで元号が変わると世の中のことがすべて変わってしまうような言い方は、やめにしませんか。たとえば「昭和歌謡」というようなやつ。これなんかは、文化の様式が元号によって変わることを前提にした言い方ですよね。便利な言い方だとは思いますが、こんな気持ちの悪いカテゴライズは本当にやめてもらいたいと思っています。
 というより、そもそも単なる「象徴」にすぎない天皇が代わることで、世の中までが変わると思いこませる風習が、いかに不気味なものであるかを、この際考えてみられてはいかがでしょうか。
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# by jurassic_oyaji | 2018-09-21 21:50 | 禁断 | Comments(3)
BYE-BYE BERLIN
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Marion Rampal(Voc)
Raphaël Imbert(Sax)
Quatuor Manfred
HARMONIA MUNDI/HMM 902295


イギリスの作家クリストファー・イシャウッドが1939年に発表した短編集「Goodbye to Berlin(さらばベルリン)」は、1930年代のベルリンを舞台にして彼自身の体験をもとに書かれた小説です。これは1951年に「私はカメラ」というタイトルで戯曲化されますが、さらに1966年にはロッテ・レーニャがキャスティングされたミュージカル「キャバレー」となり、それが1972年にライザ・ミネリ主演で映画化されることによって、多くの人に知られるようになりました。
今回のCDのタイトルは、そのオリジナルのタイトルに対するリスペクトのあらわれでしょう。これは、「さらばベルリン」で描かれた時代に実際に作られていた曲を集めて、そのころ、つまりヒットラー政権前夜のなんともゆがんだ、ということは芸術的には極めて実りの多かった時代の空気を再現しようとしたものです。
ここでの主役は、フランスのシンガー・ソングライター、マリオン・ランパルです(ブックレットにはわざわざ「ジャン=ピエール・ランパルとは無関係!」とありました)。そしてそのバックを務めるのはマンフレッド・カルテット(弦楽四重奏)と、サックス界の鬼才ラファエル・アンベールです。
登場するのは、ワイル、シュルホフ、アイスラー、そしてヒンデミットにベルクと、まさにある時期「退廃音楽」とカテゴライズされた作曲家たちの作品です。これらは、ランパルのけだるいヴォーカルと、アンベールなどによって施されたぶっ飛んだ編曲によって、オリジナルをはるかに超えた「あぶなさ」を見せています。なにしろ、そのアンベールときたら、最初のうちはバス・クラリネットでワイルの「ユーカリ」などをしゃれっ気たっぷりにサポートしているのですが、同じワイルの「ベルリン・レクイエム」の中の「溺れた少女のバラード」では、サックスで「溺れる少女」が水の中でもがき苦しむ様子を狂ったように描写したりしているのですからね。
中には弦楽四重奏のオリジナルの作品も取り上げられていて、それらは「素」のままで見事なメッセージを伝えてくれています。特にシュルホフの「弦楽四重奏曲第1番」の第4楽章からは、不安だらけの音楽が切ないほどに聴こえてきます。同時に、同じシュルホフでもピアノ曲を編曲した「5つのジャズ・エチュード」からの「シャンソン」や、ワイルの「弦楽四重奏曲ロ短調」の第2楽章などからは、それとは正反対のロマンティシズムたっぷりの熟れた音楽さえ味わえます。
そんな文脈の中で、なんとヒンデミットの「さまよえるオランダ人」が登場します。これもオリジナルの弦楽四重奏のための作品ですが、正式なタイトルは「朝の7時に、湯治場の二流の保養楽団が初見で演奏しているような、『さまよえるオランダ人』の序曲」という、これだけでワーグナーを完全におちょくった曲であることが分かるものです。ですから、このCDではヒットラーのお気に入りだったワーグナーに対する痛烈なアイロニーとして、この曲を扱っているのですよ。私見では、これはそれほどのものではなく、もっと軽い冗談として受け取った方が良いような気がするのですが、ここでのマンフレッド・カルテットはあまりにまじめにそんなプロテスト感を込めて演奏しているものですから、その暑苦しさが逆に滑稽に思えてしまいます。というか、こんな演奏ではヒンデミットが仕掛けたおかしさは絶対に表現できないと思うのですけどね。
悪いことに、ここではそれを、ランパルたちに言わせれば「ダダイズム風のコラージュ」として使っているのですよ。つまり、この曲は最初と最後の一部分しか演奏されず、その間にアルノ・ビリング(ミシャ・スポリャンスキー)の「ラヴェンダー・ソング」という歌が歌われているのです。これで、ヒンデミット版「オランダ人」の中で一番面白いところが見事にカットされてしまいました。そんなの、おら、やんだ(東北弁)。その結果、このCDはしょうもないクズとなったのです。

CD Artwork © harmonia mundi musique s.a.s.

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# by jurassic_oyaji | 2018-09-20 21:05 | 現代音楽 | Comments(0)
メーカーはONKYO
 私が今職場で使っているサラウンドのためのAVアンプは、これまでずっと使ってきた普通のオーディオ・アンプとはずいぶん「性格」が違っているのには、驚かされます。まあ、普通のアンプだったら仕組みはとてもシンプルで、入力切替とボリュームだけを操作すれば済んでいました。そもそも、アンプの仕事としては、入ってきた音声信号を、スピーカーで再生できるだけの大きさにするという、文字通り「amplify(アンプリファイ)=拡大」だけのことだったはずです。もちろん、その際には元の信号をいかに忠実に「拡大」するか、ということが問われるわけで、それはもう買った時の価格によって決まってしまいます。そして、それは右と左の2つのチャンネルについてのみ行われるだけでした。
 ところが、AVアンプとなると、そういう仕事はもちろん押さえたうえで、様々な入力と出力に的確に対応してそれなりの処理を行うという仕事が加わります。それはもう、よくこんだけのものがこなせるな、と驚くほど多岐にわたっています。入力では、サラウンドだとDTSとDOLBYがそれぞれ何種類かの世代が用意されていますし、SACDのDSDのサラウンドにも対応しています。
 そして、それを出力する時も、私のアンプの場合はまだ最高が5.1でしたが、最近では7.1とか9.1にも対応しているのでしょうね。これも、ユーザーの環境に応じてセンタースピーカーやサブウーハーをなくした設定も出来ます。私の場合は4.0にして使っています。
 そんなもろもろのことを、間違えずに行うのですから、時には嫌気がさして休みたいな、と思うこともあるのでしょうね。買ってすぐに、1つの系統からの音が全く出なくなってしまったことがありました。でも、それはちゃんと「リセット」が行えるような操作方法がマニュアルに書いてあるので、その通りにしたら見事に直ってしまいましたよ。やはり、あまり根を詰めないように、一休みしてもらうというのが、こういう機械の場合も必要なのでしょうね。ただ、これを行うと、それまで設定していたものが元に戻ってしまうのでまたやり直さなければいけないのが、ちょっと面倒ですけどね。
 先週の連休前に、やはりそんな「過労」によるトラブルが起こりました。なんと、全部の系統の音が出なくなってしまったのですよ。「来たな!」と思ったので、もうためらわずに「リセット」を敢行します。しかし、やはり音は出ません。もうやけになって何度も「リセット」を繰り返すのですが、結果は変わりませんでした。
 ということは、もはやこれは本格的に修理をしなければいけないような状態になってしまったのでしょうか。でも、そんな手間をかけるぐらいなら、いっそ別のものを新しく買った方がすぐ使えますから、そちらを検討した方がいいかもしれませんね。そんなことをいろいろ考えながら、暗澹とした気持ちで連休を過ごしたのでした。
 そして、きのう出勤して、そのアンプにスイッチを入れると、まるで何事もなかったように音が出てきましたよ。しっかり休養を取ったので、元通りに働けるようになったのでしょうか。どんな機械でも、おかしくなるにはちゃんとした理由があって、そこを直せば元に戻るものなのですが、こうなると、もう「機械」だと思ってあちこち点検するのが全く無意味に思えてしまいますね。
 新しくなった自宅のウォシュレットも、なんだか不思議な動向を示していました。トイレのドアを開けて中に入ると、その瞬間便器の中が明るくなって「清掃」が始まるんですよ。これが、もっとグレードの高いのだと、そこで蓋が開くのでしょうね。なんか、たかが便器がそこまで人間に対して卑屈になっているのが、なんとも馴染めません。
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 それと、この間書いたように、ちゃんと座らないとお湯が止まってしまうのも、しっかり「注意書き」があったのですね。ただ、いくら注意しても止まることがあるのでちょっとそのあたりを見てみたら、なんとなく遊びが多すぎるようでしたので、間に厚めの紙を入れてその遊びを少なくしたら、前の機種と同じ感覚で使えるようになりましたよ。こういう、目に見える形で原因が分かってこその「機械」ですよ。
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# by jurassic_oyaji | 2018-09-19 23:56 | 禁断 | Comments(0)
BERNSTEIN/Wonderful Town
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Danielle de Niese(Eileen)
Alysha Umphress(Ruth)
Nathan Gunn(Baker)
Simon Rattle/
London Symphony Orchetra & Chorus
LSO LIVE/LSO0813(hybrid SACD)


サイモン・ラトルが、現在の自らのオーケストラとともにバーンスタインのミュージカル「ワンダフル・タウン」の新録音をリリースしました。
このミュージカルは、1944年の「オン・ザ・タウン」に続き1953年に作られた2番目のもの、台本と歌詞を書いたのは、前作と同じくアドルフ・グリーンとベティ・キャムデンのチームです。その時に彼らが元にしたのが、ルース・マッケニーという人が書いた自伝的な小説をジョセフ・フィールズとジェローム・チョドロフが脚色した戯曲、「マイ・シスター・アイリーン」です。これは1940年に上演され、1942年には映画化もされています。
その映画で主人公を演じたロザリンド・ラッセルが、このバーンスタインのミュージカルの初演では同じ役を演じています。そのオリジナル・キャストによる録音は、こちらで聴くことが出来ます。
ラトルにとっては、これが2度目の録音となります。1度目はEMIのために1998年の6月に録音されました。彼のバーミンガム時代ですね。ただ、この時のオーケストラはそのバーミンガム市交響楽団ではなく、「バーミンガム・コンテンポラリー・ミュージック・グループ」という名前になっています。
もちろん、この作品は「オペラ」ではなく「ミュージカル」ですから、上演される時のオーケストラは非常に少ないメンバーになるはずです。彼の3番目のミュージカルでバーンスタイン(正確には、オーケストレーターのシド・ラミンとアーウィン・コスタル)が指定したメンバーの人数は31人でしたから、ここでもそのぐらいの人数で演奏されるスコアだったのでしょう。もし、ラトルがそれに近い編成で演奏していたのだとすれば、とても「交響楽団」とは呼べないでしょうね。
しかし、今回の演奏では、「ロンドン交響楽団」という名前がどんどん書いてありますし、「この録音の時のオーケストラのメンバー」という詳細なリストまでブックレットには掲載されています。それによると、弦楽器は12型ですから、ちょっと小振りですが、管楽器は本来のマルチ・リードではなく、きちんと専門の楽器を別々の人が演奏しているようですからしっかり「交響楽団」になってます。ただ、ここで加わっている大量のサックス群とドラム・セットは、元々オーケストラにはいませんから、エキストラが参加していますけど。
物語は、オハイオの田舎に住んでいた小説家志望のルースと女優志望のアイリーンという姉妹が、大都会ニューヨークにやって来て様々な人と出会い成長していくという、まるで「朝ドラ」のような展開のお話です。このミュージカルは2010年に日本でも(日本人によって)上演されていますが、その時の上演時間は2時間半超だったそうです。このラトルのコンサートではどのような形だったのかは分かりませんが、このSACDでは音楽の部分だけが集められて、1時間10分に収まっていますから、それほど長くはありません。とは言ってもその分のセリフがまるまるカットされているのでしょうから、これを聴いただけではそのストーリーの流れはほとんど分からないでしょうね。ここで対訳も何もついていないのは、そのようなことを鑑みてのことだったのでしょうかね。
ですから、このSACDではバーンスタインの音楽をストレートに味わうことが出来ます。全体の雰囲気は、物語のコミカルさを反映してかなり明るい、というかノーテンキなビッグ・バンド・ジャズの世界です。ただ、時折、先ほどの「3番目」のミュージカル、「ウェストサイド・ストーリー」を思わせるようなキレの良いダンス・ナンバーが入っているのが魅力でしょうか。それは、あちらの「マンボ」につながる「コンガ!」と、「クール」の先駆けの「スウィング!」でしょうか。
ルース役のアンプレスは、まさにハマり役ですが、アイリーンにデ・ニースを使ったのはあまりにももったいないような気がします。

SACD Artwork © London Symphony Orchestra

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# by jurassic_oyaji | 2018-09-18 21:46 | オペラ | Comments(0)